Kunst als meditativer Prozess
 

John Franzens Werk setzt sich in existenzieller Weise mit dem menschlichen Dasein auseinander – insbesondere in den beiden komplementären Serien Each Line One Breath und Creation is Destruction. 

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In der Werkserie Each Line One Breath verdichtet der Künstler den Akt des Zeichnens auf seinen elementarsten Ursprung: die eigene Existenz im Moment. Jede Linie entsteht im Rhythmus seines Atems. Mit dem Einatmen wird eine Linie gesetzt, mit dem Ausatmen folgt die nächste. Zeichnung und Körper sind dabei untrennbar miteinander verbunden – der physische Vorgang des Atmens wird zum strukturierenden Prinzip der Arbeit.

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Die Linie ist bei Franzen nicht Ausdruck eines vorab festgelegten Bildes, sondern das sichtbare Resultat eines zeitlichen und körperlichen Prozesses. Jede Spur verweist auf einen konkreten Moment des Seins, auf Präsenz, Konzentration und Vergänglichkeit zugleich. Der Atem fungiert als Taktgeber, als Maß für Zeit und als unmittelbarer Ausdruck von Leben. So wird die Zeichnung zu einer Art stiller Selbstvergewisserung: Solange eine Linie entsteht, ist der Künstler da.

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Gleichzeitig verweigert sich die Serie jeder narrativen oder symbolischen Überhöhung. Die Reduktion auf Linie, Papier und Atem lenkt den Blick auf das Wesentliche und macht die Verletzlichkeit des menschlichen Daseins spürbar. Unregelmäßigkeiten, Verdichtungen oder Pausen sind keine Störungen, sondern Zeugnisse des individuellen Atemrhythmus und damit der körperlichen Realität des Künstlers.

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Each Line One Breath ist weniger als Bild denn als Protokoll einer Existenz zu lesen. Die Zeichnungen halten fest, was sich normalerweise dem Sichtbaren entzieht: Zeit, Atem und die fragile Kontinuität des Lebens selbst.

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Wandskulpturen aus verspiegeltem Stahl

In der Werkserie Creation is Destruction verlagert John Franzen den künstlerischen Prozess vom inneren Rhythmus des Atems in eine physisch-konfrontative Auseinandersetzung mit Material und Raum. Die Arbeiten bestehen aus Wandskulpturen aus hochglanzpoliertem, verspiegeltem Stahl, dessen makellose Oberfläche zunächst das Ideal eines perfekten Spiegelbildes evoziert. Doch diese scheinbare Vollkommenheit wird durch gezielte, gewaltsame Eingriffe gebrochen: Axthiebe, Schläge und Schüsse zeichnen sich unauslöschlich in das Metall ein.

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Diese Gesten sind zugleich destruktiv und schöpferisch. Erst durch die Zerstörung entsteht das Werk. Die Eingriffe deformieren nicht nur das Material, sondern auch das Spiegelbild des Betrachters. Die eigene Reflexion wird fragmentiert, verzerrt oder unterbrochen – der Spiegel verliert seine Funktion als narzisstisches Instrument und wird zu einem Ort der Irritation und Selbstbefragung. Der Blick auf sich selbst ist nicht länger kontrollierbar, sondern konfrontativ.

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Franzen nutzt den Spiegel als Medium der Selbstwahrnehmung und führt dessen inhärente Ambivalenz vor Augen. Das Material verweist auf Härte, Dauerhaftigkeit und industrielle Präzision, während die sichtbaren Spuren der Gewalt eine radikale Körperlichkeit und Präsenz markieren. Zeit wird hier nicht über Wiederholung gemessen, sondern über den unwiderruflichen Moment des Eingriffs.​​​